Скачать

Пастель и её применение в дизайне интерьера

Наиболее знакомое, часто употребляемое в повседневной жизни понятие - «пастельные тона». Каждый, не задумываясь, скажет, что оно означает нежные, приглушенные оттенки. Но спросите у случайного собеседника: «Что такое пастель?» - и, скорее всего, получите лишь общий, расплывчатый ответ: «Пастель - это один из видов изобразительного искусства». Широкой публике пастель гораздо менее известна, чем масляная живопись, акварель или гравюра.

В наше время, когда быстрота процессов давит на нервную систему человека очень важна гармония и мягкость красок палитры интерьера. Картины в комнате исполненные пастелью подойдут больше, чем маслом или каким либо другим материалом. В пастели изначально заложено стремление к покою, созерцанию. Сюжеты её - будь то пейзажи, интерьеры, портреты - незамысловаты, но всегда проникнуты особым лиризмом, ощущением гармонии и тонко уловимыми настроениями природы. Такие картины легко впишутся в интерьер дома и офиса и будут радовать глаз.

Питер Кумбз, Ольга Трещева, Н.Платонова и другие авторы рассматривали технологию и особенности выполнения рисунка пастелью. На основе их статей и книг выполнена данная курсовая. В нашем городе, в городе Бийск, есть художники, которые также занимаются пастелью: график Сергей Иваненко, и живописец Валерий Баринов.

Но не смотря на вышесказанное роль рисунка пастелью в интерьере исследована недостаточно.

Цель курсовой работы: исследоватьПастель и её применение в дизайне интерьера

Объект исследования: пастель, как вид искусства, и роль картин в дизайне интерьера.

Предмет исследования: Пастель и её применение в дизайне интерьера

Задачи исследования:

· Анализ литературы по теме исследования

· Рассмотреть историю развития рисунка в техники пастели

· Определить роль картин в интерьере

· Выполнить рисунок пастелью «Закат» для оформления интерьера

Методы исследования: изучение и анализ литературы, анализ работ выполненных пастелью, обобщения опыта работы пастелью, беседы

Методология исследования опирается на работы…….

Практическая значимость данного исследования заключается в разработке методических рекомендаций по рисованию пастелью.

Глава 1. История

1.1 История пастели

Рисование пастелью позволяет установить наиболее тесный контакт между художником и материалом. Цветной мелок становится как бы продолжением пальцев, и между рукой художника и пастелью возникает такая же связь, как между рукой скульптора и глиной, с которой он работает.

О пастели и рисовании пастелью написано очень мало, и для многих художников, работающих в другой технике, пастель как материал и как художественное произведение принадлежит к области неведомого. Когда пишешь пастелью кажется, что живопись рождается тут же, от прикосновения твоих пальцев.

Как любая техника, рисование пастелью имеет свои неудобства. Пастельная живопись создается спонтанно, на одном дыхании. При этом требуется большое мастерство, легкость, а если же возникает необходимость вернуться назад, к уже сделанному, надо быть осторожным.

Для пастели хороши все сюжеты, по видимому, из-за той легкости, с которой растушевываются краски на пастозном фоне, что позволяет уравновесить тончайшие оттенки цвета, свет и тени. Однако художники часто отдают предпочтение обнаженной и полуобнаженной женской фигуре.

Мелки для рисования пастелью бывают мягкими и твердыми. В первом случае при широком и свободном нанесении красочного слоя можно получить фактуру, напоминающую живопись маслом. При работе твердой пастелью фактура изображения напоминает рисунок. Великие французские художники эпохи барокко, такие, как Кантен де Латур и Шарден, довели технику рисования мягкой пастелью до совершенства и оставили нам произведения высочайшего уровня. Эдгар Дега, один из самых выдающихся мастеров пастельной живописи, работая твердой пастелью как обыкновенным карандашом, сумел извлечь из этой техники все ее возможности. Если вы хотите именно писать пастелью, лучше взять мягкие мелки: они легче наносятся на основу, а краски лучше смешиваются на бумаге.

Итак, пастель (франц. pastel от итал. pastello, уменьшительное от pasta-тесто) - это, техника живописи и рисования сухими, мягкими цветными мелками. Пастелью также называется произведение, выполненное в данной технике. Этот же термин применяют для обозначения красок (цветных мелков), используемых в этой технике

История пастели как материала насчитывает около трехсот лет. Только около 1720 года художники поняли, что пастель отвечает всем требованиям "большой живописи". Ее появление в истории живописи нельзя отнести ни к счастливой случайности, ни к разряду гениальных открытий.

Пастель похожа на другие материалы, которые применяются в рисунке, и ее самостоятельное развитие начинается с момента, когда рисунок перестает быть вспомогательной техникой для живописи и становится равноправным видом искусства.

Это осознание значимости рисунка начинается в XV веке, в эпоху Возрождения, когда художники открыли для себя античную культуру, что привело к появлению нового взгляда на природу человека. Именно в это время начинается углубленное изучение анатомии, требовавшее графического отображения полученных знаний. Именно с этого периода начинается история пастели.

Точно так же богатство и динамичность готических форм нуждались в новых способах выражения. Начиная с XVI века, в период Чинквеченто, овладение техникой рисунка становится обязательным для всех художников. Многие вскоре достигли в этой области невероятных высот. Используя все возможности, предоставляемые известными в то время материалами - сангиной, углем, тушью, свинцовым карандашом, мелом, - они работали подчас в смешанной технике. В рисунках Леонардо да Винчи (в частности в "Мадонне с младенцем, св. Анной и Иоанном Крестителем"), Андреа дель Сарто, Рафаэля, Микеланджело впервые видна фактура, напоминающая пастель, когда она используется как материал для рисунка.

Несмотря на то, что мастера Чинквеченто применяли разные материалы, их все же можно назвать пионерами техники, похожей на пастель.

Эта манера рисунка будет процветать и в эпоху барокко, у которой нет четких границ с Возрождением. На самом деле Рафаэль и Микеланджело, как и все большие художники последней четверти XVI века, еще очень далеки от эстетики барокко.

Итак, история пастели начинается в эпоху Возрождения с обычных набросков, исполненных такими материалами как сангина, уголь, свинцовый карандаш и мел.

Эпоха барокко, охватывающая период от Возрождения до классицизма, то есть с начала XVII до середины XVIII века, открывается маньеризмом. Для барокко характерен апофеоз фантазии, порожденной восхищением художников великими мастерами XVI века и неослабевающим интересом к классической древности. Барочные тенденции распространяются по всей Европе, и в 20-50-е годы XVIII века достигают Франции и Германии, где проявляются в своеобразной форме, известной под названием "рококо".

Именно в этот период и появляется пастель, нашедшая более чем достойное выражение в творчестве венецианской художницы Розальбы Каррьеры (1674-1757).

Розальба Каррьера прославилась главным образом благодаря своим блестящим пастельным портретам, однако не менее известны ее миниатюры и живописные портреты грешных дев.

Итак, основной толчок в развитии пастели дала Розальба Каррьера своими портретами.

Розальба Каррьера имела огромный успех во Франции в эпоху Людовика XV. Сто пятьдесят ее пастелей хранятся в Дрезденской картинной галерее.

Современником Розальбы Каррьеры и известнейшим портретистом своего времени был Морис Кантен де Латур (1704-1788). Он сумел запечатлеть все легкомыслие разодетых в шелка и бархат современников. Вот-вот и они заговорят.

В это время увлечение пастелью охватило весь Париж. Число художников, отдавших предпочтение этой технике, к 1780 году достигло двух с половиной тысяч. Утонченность пастели в сочетании с галльским темпераментом позволяла наилучшим образом передать дух эпохи через портреты ее самых прославленных представителей.

Всем, кому интересна техника пастели, полезно поглубже изучать наследие Розальбы Каррьеры, Кантена де Латура и их современника Жан-Батиста Перронно. Их творчество наглядно показывает, что пастель как техника достойна самых больших мастеров.

С этим же периодом связано и имя Антуана Ватто (1684-1721). Большой поклонник Рубенса, он прославился главным образом как автор "галантных празднеств". Его многочисленные живописные полотна, великолепные сангины, проникнуты тонкой грустью, навеянной мыслью о быстротечности жизни.

Большое количество превосходных произведений - свидетельств этой пышной эпохи оставили нам современники Ватто - Буше и Фрагонар.

Как упоминалось ранее, самым известным художником XVIII века, работавшим в технике пастели и расширившим ее возможности, был Кантен де Латур. Он родился в Сен-Кантене и юношей приехал в Париж, где безвыездно прожил шестьдесят лет - с 1724 по 1784 год, не считая нескольких поездок в Лондон и другие города. Он быстро приметил моду на пастельные портреты, ставшие особо популярными благодаря творчеству Розальбы Каррьеры, и посвятил этому жанру всю свою жизнь. Созданные им произведения отличаются изяществом, порой близким к слащавости, и тонким психологизмом. В преклонном возрасте художник вернулся на родину, где сейчас находится самое большое собрание его работ, в том числе множество этюдов и набросков, которые по своим художественным достоинствам часто превосходят его законченные портреты.

Де Латур выделяется среди портретистов своего времени не только совершенством техники, но и пониманием духа эпохи, о чем свидетельствуют созданные им портреты Даламбера и Руссо, Морица Саксонского и мадам Помпадур...

XVIII век дал немало хороших художников-портретистов. В Испании это Висенте Лопес-и-Портанья, удостоенный в 1815 году звания придворного живописца. Назовем также имена Жак-Андре Аведа (1706-1766), друга Шардена, и Франсуа-Гюбера Дровэ (1727-1775) - ученика Буше,- чей слегка слащавый стиль прекрасно подходил для детских портретов. Однако единственным серьезным соперником де Латура был Перронно.

Он объездил всю Европу и умер в Амстердаме. Прекрасным примером его творчества может служить знаменитая пастель "Девочка с кошкой" (1745), хранящаяся в лондонской Национальной галерее.

Итак, в эпоху Рококо пастель обретает огромный успех, увлечение пастелью охватывает весь Париж, а портреты в этой технике становятся популярны.

Впервые термин "импрессионист" был употреблен в 1874 году в связи с картиной Клода Моне "Впечатление. Восход солнца". Слово это было введено в обиход оставшимся неизвестным критиком, вложившим в него явно уничижительный смысл. Постепенно определение перешло на всех участников выставки, организованной Обществом живописцев, скульпторов и граверов, членами которого были Писсарро, Моне, Дега, Ренуар, Сислей, Сезанн, Гийомен и Берта Моризо. Всех их объединяло стремление порвать с официальным академическим искусством.

Итак, импрессионизм обозначил разрыв с прошлым не только совершенно иной манерой письма, но и утверждением за художником права выбора сюжетов, отвергавшихся академическим искусством как малохудожественные.

Импрессионисты совершенно по-новому увидели и изобразили в своих работах оживление и суету парижских бульваров, праздничное разноцветье городских садов, кварталы бедноты, основываясь на ином отношении к цвету, оскорблявшем вкус приверженцев традиционной живописи.

Сам способ нанесения мазков - один рядом с другим, неопределенность границы между задним и передним планом, между предметами и их тенями сводили на нет значение рисунка, считавшегося до импрессионистов границей формы. Речь шла о действительно новом понимании живописи, заключавшемся в том, что художник-импрессионист изображал реальный мир посредством цветовых впечатлений. И этой концепции идеально соответствовала пастель.

Некоторые художники этого периода использовали пастель для того, чтобы запечатлеть ускользающие мгновения в виде набросков, на основе которых они впоследствии создавали свои живописные полотна.

Другие, как Дега, обнаружили в пастели идеальный материал для живописи и достигли блестящих результатов.

Самые известные в мире пастели созданы Дега. В пастелях импрессионистов цвет является носителем света; он рождает реальность, живущую благодаря цвету и свету. Именно с появлением импрессионизма связано начало истории современной живописи. И как это часто бывает, новое столкнулось с полным непониманием и неприятием. Импрессионизму принадлежат такие имена, как Мэри Кассатт, Буден, Берта Моризо, Тулуз-Лотрек, Базиль. Остановимся на творчестве Кассатт. Она родилась в Питсбурге в 1844 году, была ученицей Дега. Мэри Кассатт довела технику пастели до поразительного совершенства, блестяще применяя ее при создании трогательных жанровых сцен, главными персонажами которых являются женщины и дети. Мэри Кассатт и Розальба Каррьера - две художницы, обогатившие искусство пастели женственностью и особой нежностью.

Пастели импрессионистов характеризуются расплывчатым, призрачным изображением, напоминающим видение, существующее благодаря светоносности колорита.

"Красота в искусстве - это действительность, окрашенная нашим первым впечатлением". Эти слова Камиля Коро в какой-то степени объясняют взгляд художников той эпохи на живопись.

Итак, пастель широко используется в импрессионизме не только для набросков, но и для законченных работ и самый знаменитый художник (использовавший эту технику) Эдгар Дега.

Прошедший век богат хорошими художниками, многие из которых работают в технике пастели. Сложно охватить великих художников всех стран, работавших в технике пастели. Выберем испанских художников.

Весной 1984 года длинные очереди выстраивались перед дворцом вице-королевы на бульваре Рамбла в Барселоне, где проходила выставка выдающегося художника и графика Рамона Касаса (1866-1932). Для многих стала откровением огромная коллекция его рисунков сангиной и углем.

Таким же открытием были и пастели известных испанских пейзажистов Хоакина Мира (1873 - 1940) и Хоакина Сорольи (1883-1924), глубоко проникших в тайны света и блестяще передавших его в своих средиземноморских видах.

Мягкость, характерная для некоторых сюжетов, требует от художника такой же мягкости и легкости колорита. Этого принципа придерживается Франсиско Серра. В своих, озаренных тихой радостью пастелях художник передает поэзию повседневной жизни. Живописец и график Серра стоит в одном ряду с такими мастерами, как Энгр, Коро, Дега, чье влияние заметно в его творчестве. Его владение натурой, смелые ракурсы, полные глубокой индивидуальности портреты свидетельствуют в равной мере о высоком техническом мастерстве, бесконечной любви к искусству, о большом таланте и склонности к размышлению.

Однако крупнейшей фигурой в живописи нашей эпохи, несомненно, остается Пабло Пикассо (1881-1973). Он родился в Малаге в семье скромного учителя рисования. В 1900-е годы получает художественное образование в Барселоне и продолжает его в Париже, где к нему приходит известность. Первая значительная выставка пастелей Пикассо состоялась весной 1901 года в зале Парес в Барселоне. Она стала настоящим событием и получила похвальные отзывы самого Утрилло. Пикассо наносил пастель чистым цветом в виде красных, желтых, синих, зеленых и лиловых пятен, без промежуточных тонов, как это делали художники известной в 1900-е годы в Барселоне группы "Четыре кота".

Женские образы Пикассо отличаются смесью изящества и вульгарности, характерной для определенных парижских кругов. Ни один художник не оказал на живописные каноны столь революционного воздействия, как Пикассо. Подобно Джотто, Микеланджело и Бернини, он стоит у истоков новой эпохи в истории живописи

А вот и превосходные пастели наших современников. Все они различаются, но несмотря на это, все они с одинаковой убедительностью демонстрируют богатство возможностей, заложенных в технике пастели.

Здесь и легкие, полные лиризма работы Эмилии Кастаньеды, смотрящей на мир словно сквозь дымку чувственности, и похожие на фотографии гиперреалистические композиции Фуэнтетахи, одновременно мягкие и вызывающие.

Между Кастаньедой и Фуэнтетахой, как между полюсами, можно поместить Хоана Марти, автора пастелей, отличающихся четким, энергичным рисунком.

Трудно найти свой путь среди такого богатства стилей. Главное - выбрать, а дальше - учиться. Учиться у старых мастеров и у современных. Начинать можно в любое время.

Многие художники выбрали пастель средством художественного самовыражения. Некоторые используют ее наряду с маслом или акриловыми красками. Главное - узнать и освоить возможности выбранной техники, а также научиться видеть, что могут дать тебе как художнику красивое женское плечо, складки небрежно брошенной ткани, неясный сумеречный свет или просто цветок.

Внимательное изучение произведений предметной живописи помогает выбрать классическое, академическое направление в живописи, чтобы затем, получив необходимые знания, отойти от него, если вам того захочется. Вы сможете отбросить все, что чуждо вашей природе, и сохраните себя.

Эти примеры демонстрируют огромные возможности пастели, позволяющей любому художнику выразить свои чувства.

Пастель может быть использована и в прикладных видах живописи, в частности в рекламе и иллюстрации. Пример тому работы американских художников, созданные при помощи аэрографа и других ультрасовременных средств, они показывают, чего можно добиться при богатом воображении.

Все эти иллюстрации имеют энергичную, оригинальную фактуру и достойны занять место в ряду произведений большой живописи.

Итак, пастель в настоящее время имеет широкую известность и её возможности, как показала история, неограниченны.

Можно без конца спорить о том, принадлежит ли пастель технике живописи или является разновидностью рисунка, потому что оба мнения капитально обоснованы и вряд ли когда-либо будет возможно прийти к определенному решению.

С исторической точки зрения и по своей сути пастель была разновидностью рисунка, ведущей начало от рисования чистой сангиной в соединении с черным карандашом. Наброски цветной пастелью художников Ренессанса никогда не считались живописью. С конца XVII века пастель утвердилась как самостоятельная техника рисования благодаря великим придворным портретистам того времени. Современные художники для обогащения своих рисунков применяют пастель довольно сдержанной цветовой гаммы - скорее тональной, нежели хроматической.

Мел - вид мягкого известняка органического происхождения, белого или серого цвета. В XV веке итальянские художники стали пользоваться карандашами из толчёного мела с примесью связующего вещества, выявляя светлые места в рисунках, выполненных угольным или итальянским (натурального происхождения) карандашами на тонированной бумаге. Смеси белого мела с окислами железа в различных пропорциях давали красный мел (известняк как сангина), сепию, сиену и охру.

Пастель стали употреблять в начале XVI века. Пастельные палочки выделывались из красочных пигментов с добавлением связующего вещества без примеси мела; они были мягче меловых карандашей. В настоящее время практически нет разницы между меловыми карандашами и твёрдыми пастелями.

История приводит нас в 1685 год, когда были написаны первые картины пастелью. Очень много Старых мастеров использовали подкраску пастелью: их картины дышат свежестью и поныне. Обособление пастельной живописи в отдельный вид изобразительного искусства ознаменовалось созданием в конце XIX века особого общества, которое существует и поныне.

Из всех разновидностей рисунка пастель ближе всех к чистым цветам: порошки красок сохраняют в пастели свой натуральный цвет и дают интенсивные тона в смешениях.

Однако у пастельных красок самые глубокие, самые звучные тона; цвета мягкие, бархатистые. Красочный слой иногда закрепляется фиксативом.

Мягкая пастель легко крошится, линии получаются прерывистыми, неровными. Для цветных рисунков художники обычно предпочитают более твердые пастели и мел.

Пастель состоит из сухого красочного порошка с добавлением связующих веществ, в том числе гуммиарабика. В зависимости от количества связующего вещества, введенного в краски, получаются карандаши различной мягкости: мягкие, средние и твердые. Пастель высшего качества, с незначительной долей гуммиарабика, довольно легко крошится.

Примесь гипса в низкосортной пастели делает цвета менее матовыми и менее интенсивными. Тот же состав и у мела, но мел тверже: в нем содержится вещество, подобное гипсу.

Мягкая пастель высокого качества (с большой долей пигментов) формуется в короткие цилиндрические палочки без оправы. Пастель легко ложится на бумагу, оставляя бархатистый матовый след интенсивного чистого цвета. Пастельная палочка служит долго: ее штрихи можно растирать пальцами прямо на бумаге.

Известная французская фирма Sennelier вырабатывает пастель 525 цветов из высококачественных пигментов. Такая богатая цветовая гамма избавляет художника от необходимости цветосмешения (несовместимого с техникой пастели).

Фирмы Sennelier, Schmincke (Германия) и Talens (Голландия) производят мягкие пастели чистых цветов и огромную шкалу промежуточных тонов (сухие красочные порошки плюс разбеливающее вещество). Таким образом, для разбела тонов художнику теперь не требуется чисто белый цвет.

Сухая пастель (её еще называют мягкая пастель) - имеет довольно обширную цветовую гамму, состоящую примерно из 110 оттенков, хорошо смешивается друг с другом. Имеет эффект бархатистости.

Масляная пастель - производится из воска и минерального масла с добавлением пигментов. В отличие от сухой пастели, следы от масляной пастели получаются более интенсивными и яркими.

Восковая пастель - основным компонентом является воск с добавлением все тех же пигментов, обладает хорошей цветостойкостью, штрихи получаются яркими и интенсивными.

Производители выпускают пастель в виде круглых и квадратных колбасок, последними, так как они имеют острые углы, при необходимости легче проводить тонкие линии или делать небольшие акценты.

При всех своих достоинствах живопись пастелью имеет один недостаток - она очень легко осыпается, поэтому работы выполненные пастелью необходимо закреплять специальными фиксаторами или прятать под стекло в подходящую раму или паспарту.

Пастель - техника живописи и рисования, а так же краска для них. Разноцветными пастельными палочками проводят линии и наносят цветовые' пятна. В известной мере пастельные цвета можно растушевывать и смешивать. Пастель проста в применении: как и углю, ей не требуется времени для высыхания, поверх неё можно наносить и растушёвывать тона множество раз. Конечный результат работы зависит от вида избранной художником поверхности, главным образом от её шероховатости

Рассмотрим подробнее различные материалы ….Как говорит само название, это пастельные палочки в форме карандаша в обычной оправе кедрового дерева. Они удобны для художника, привыкшего работать графитными или цветными карандашами. Недостаток: их трудно затачивать, хотя они мягче цветных. Пастельные карандаши продаются в наборах по двенадцать штук, а так же поштучно.

Акварельные пастели (разновидность цветных карандашей), разведенные водой с помощью кисточки, создают нечто среднее между акварельным и пастельным рисунком. Обычно они невысокого качества и продаются небольшими наборами в виде палочек и карандашей. Ими можно дополнять работу пастелью, создавая смешения цветов в определенных местах рисунка.

Мелки - относительно твердые палочки, которыми выполняются и четкие линеарные рисунки, и мягкие тональные градации. Из-за многообразия видов пастелей не так-то просто отличить их от мелков. Строго говоря, цвета мела сводятся к белому, черному, сепии и сангине - четырем цветам, обладающим идеальным тональным равновесием, приемлемым для всех видов монохромного рисунка и мягких цветовых переходов. Фирмы Conte, Faber-Castell и Koh-i-Noor предлагают наборы мелков (иногда с дополнением сиены и ряда нейтральных серых тонов) в форме палочек, карандашей и стержней к механическим карандашам.

В группе мелков сангина занимает особое место. Теплый красно-коричневый тон излюбленный многими художниками и мягкая красочная линия при работе на тонированной бумаге делают сангину идеальной техникой рисования. Сангина хороша и для линеарного рисунка, и для всех видов растушевки. Это более тонкая, по сравнению с мелом, техника, дающая не столь динамичные, сколько нежные, «певучие» результаты. Традиционные палочки сангины дополняются карандашами сангины, предназначенными для линеарных рисунков и тональных эффектов. Для полнейшего использования характерной мягкости сангины многий художники применяют растушку.

Масляные палочки, известные также как масляные пастели (смесь масляных красок с пастелью), появились сравнительно недавно. Ими рисуют прямо на основе, без кистей или мастихинов. Их можно смешивать и распределять по бумаге кистью, смоченной в скипидаре. Густые совершенно не прозрачные мазки масляных пастелей органично вливаются в живопись обычными масляными красками

Упоминая все выше перечисленные материалы, нельзя не сказать о бумаге. В сущности, можно работать на любой бумаге. Однако каждая техника рисования требует бумаги определённого качества. Независимо от того, гладкая бумага или шероховатая, плотная или тонкая, результаты всякий раз будут разными - и по силе штриха, и по завершающей проработке рисунка. Только имея представление о той или иной технике, вы сможете выбрать нужную бумагу. Лучшую бумагу можно узнать по водяным или рельефным знакам с названием фирмы или фамилией производителя. Кроме специальной бумаги для рисования, существует гладкая, мелкозернистая, среднезернистая и крупнозернистая бумага. Бумага для пастели

Для работы пастелью пригодна любая поверхность, к которой прилипает пигмент. Лучшая бумага - средне- и крупнозернистая. Мелкозернистая бумага легко и быстро кроется пастелью (мягкая пастель легко растекается), однако трудно добиться многослойности (небольшие неровности бумаги почти сразу же заполняются частичками пигмента). Грубую бумагу труднее закрасить полностью, здесь уместно именно многослойное покрытие. Среднезернистая бумага словно создана для рисунка пастелью, её неровности заполняются частичками пигмента. Крупнозернистая бумага особенно хороша для этой техники. Её фактура имеет нужную степень «схватывания», когда художник работает плавными линиями и добивается полноценных тонов.

Для рисунков пастелью чаще всего применяется высококачественная бумага типа Canson Mi-Teintes, содержащая 65% хлопчатобумажного волокна; каждая сторона листа имеет разную фактуру. Вырабатывается тонированная бумага всех цветов - от самых тонких, почти неуловимых сероватых тонов до ровных кирпично-красного, тёмно-жёлтого и синего. Тонированная бумага выделывается двух форматов; продаётся так же в виде блокнотов гармоничных цветов (сиены, охры, серого и т.д.).

Итак, с исторической точки зрения и по своей сути пастель можно отнести к разновидности рисунка, имеет различный состав, но основа всегда органический мел, а выбор бумаги (от гладкой до наждачной) для работы пастелью зависит от техники.

пастель пикассо интерьер композиция

1.2 Роль картин в интерьере

С незапамятных времен человек старается привнести в свой быт уют, гармонию и красоту. Древние греки украшали однотонные стены яркими ковриками и рисунками. Римляне тоже весьма внимательно относились к внутреннему убранству своих домов. Считая греческих мастеров лучшими художниками, они приглашали их отделывать стены росписью и мозаикой.

В Византии в IV веке н. э. обязательным элементом жилого дома была икона. Ее писали восковыми красками или темперой, обрамляли золотыми, серебряными окладами, отделывали драгоценными камнями и эмалями. Икона являлась не только предметом моления и поклонения, но и украшением жилища.

После введения христианства на Руси в каждом доме в красном углу - самом почитаемом месте горницы тоже стали размещать иконы. Какое-либо другое настенное убранство вплоть до XVII века не допускалось. По числу икон и богатству оклада судили о достатке семьи. В XVII веке в домашний обиход, по свидетельству историка Н. И. Костомарова, мало-помалу стали входить картины и эстампы, сначала в царских хоромах, потом у знатных лиц. Интерес к ним начал возникать и в других сословиях. Впрочем, на эстампах, которые тогда дозволяли себе вешать в золоченых рамах богатые люди, изображались преимущественно священные предметы. При этом их строго отличали от образов, и они не имели вовсе священного значения.

Во Франции и Фландрии в ХII-XIII веках, а немного позже и в Италии стены комнат декорировали безворсовыми коврами. Ковры-картины называли шпалерами. Их рисунок создавали цветными нитями, плотно закрывающими неокрашенную основу из шерсти и льна. XVII-XVIII века - время расцвета изготовления гобеленов. В Париже в 1662 году была основана мануфактура братьев Гобеленов, а в 1717 году шпалерная мануфактура открылась и в Петербурге, где начали ткать первые отечественные ковры-картины. Гобелены, шпалеры, картины являлись непременной частью убранства дворцов и загородных резиденций императоров. Именно с интерьером дворцовых ансамблей XVII- XVIII веков связано такое понятие, как сплошная шпалерная развеска, когда картинами закрывается почти вся стена. В Большом Петергофском дворце есть зал, называемый Картинным. В нем по приказу Екатерины Великой разместили 368 живописных полотен итальянского художника Пьетро Ротари, применив прием сплошной шпалерной развески. Новшества в архитектуре и мебели непременно отражались на оформлении помещения. Так, стиль модерн XIX - начала XX века привнес криволинейные очертания в архитектурные формы, металлические ограждения в рисунок паркета, а также в настенные панно и предметы обстановки. Распространение функционализма и конструктивизма привело к появлению простых, удобных и трансформируемых интерьеров. Но всегда их неотъемлемым элементом оставалась картина в раме.

Итак, картина, как элемент интерьера, существует с незапамятных времён и по сей день считается неотъемлемой частью убранства.

Сегодня присутствие в доме произведений живописи считается хорошим тоном.

Картина - классический вариант украшения стены, она способна оживить и наполнить смыслом любой интерьер. Часто картину заменяют репродукцией или эстампом (копией известного полотна) - с точки зрения интерьера это не принципиально. Важно, чтобы картина была уместна, а ее палитра, в которой желательно преобладание светлых и прозрачных или теплых и ярких цветов, дарила позитивные эмоции.

Внимательно стоит выбирать и стиль, в котором написана картина

Психологи считают, что некоторые картины отнимают энергию у человека. Это произведения в стилях абстракционизма, конструктивизма, кубизма - ими лучше любоваться на вернисажах, в крайнем случае, повесить в прихожей. Места постоянного обитания домочадцев лучше украсить творениями художников-импрессионистов и реалистическими полотнами с изображением детей, животных, моря и морских обитателей, летних и весенних мотивов.

Стоит учесть и жанр картины

Яркий городской пейзаж хорош в гостиной, здесь он создает торжественную атмосферу, будто открывает окно в другой мир. Наполненный светом, умиротворенный сельский пейзаж, выполненный в пастельных тонах, подойдет для спальни. Обычное место расположения картин здесь - изголовье кровати. Пейзаж с большой глубиной изображения хорошо повесить вдоль лестницы (но только не винтовой), оптимальный вариант - несколько картин одного размера, повторяющих линию ступенек.

Натюрморт - самая универсальная картина, по законам живописи на нем могут быть изображены любые неодушевленные предметы. В арсенале художника бесконечное множество предметов, у нас бесконечные возможности их применения в интерьере. Снедь, посуда, овощи в столовой и на кухне. Книги, статуэтки, канцелярские принадлежности в кабинете. Срезанные цветы и сорванные фрукты в спальне. В идеале натюрморты на стене должны быть выполнены в общей манере.

Сюжетные картины - особый случай. Библейские и античные сюжеты внесут в дом элемент роскоши и преемственности традиций. Но не любой интерьер выдержит такую картину. Ее хорошо повесить над камином в интерьерах классического стиля. Для ампира подойдут батальные сцены, но для таких картин все же лучше найти место в кабинете, а в гостиной повесить парадные портреты предков или домочадцев. Жанровые сценки более демократичны, к тому же они могут подчеркнуть род занятий владельца дома или намекнуть о сфере его увлечений.

Выбрать картину - полдела, важно выбрать подходящее для нее место и способ ее экспонирования

Традиционно картины развешивают на стенах симметрично с помощью профессиональных систем подвески, которые представляют собой штангу с кронштейнами. Это очень актуально и удобно - чтобы переместить картину выше или ниже, надо лишь передвинуть в нужное положение кронштейн. Но почему бы просто не расставить картины на полках, на полу, столе, рояле, мольберте, на стуле или в кресле и переставлять их время от времени?

Хорошую картину лучше всего повесить в самом освещенном месте комнаты, но прямых солнечных лучей лучше избегать, они искажают и обесцвечивают. Оптимальный вариант - искусственная подсветка или скользящий естественный свет. Если окна комнаты выходят на юг или юго-запад, лучшими экспозиционными зонами будут боковые западные и северо-западные стены. Южная и юго-западная стена подойдут, если окна глядят на восток.

При окнах, выходящих на север, допустима любая развеска картин, даже напротив окна. Неслучайно художники еще в прошлые столетия предпочитали студии окнами на север. Такое положение дает ровное студийное освещение. Но даже если свет позволяет, лучше не развешивать картины по периметру комнаты - на каждой стене - это ломает единую композицию интерьера.

Не стоит обесценивать картину соседством с другими настенными украшениями. Иногда позволительна компания других картин. В любом случае они должны быть выдержаны в одной цветовой гамме, чтобы уравновешивать и успокаивать обстановку комнаты, а не создавать хаос из цветных пятен. Идеальный вариант - картины, составляющие единую композицию. Например, небольшие картины, расположенные вокруг крупной картины. Такая композиция будет выигрышно смотреться в комнате с высокими потолками.

Полотна, одинаковые по размеру, можно развесить на стене в ряд, на равном расстоянии друг от друга или в шахматном порядке, здесь важно соблюсти одинаковые интервалы между картинами. Картины, разные по формату, удобно располагать ярусами, только не по возрастанию или убыванию - это заведомо неудачная композиция. Официальный вид придадут интерьеру две однотипные картины, симметрично расположенные, к примеру, над диваном или столом.

Картина в интерьере может либо солировать, либо играть роль фона

Яркое и большое художественное полотно обязательно обратит на себя внимание, станет смысловым центром и будет диктовать свои условия оформления. Стоит подбирать картину под интерьер, если нет желания менять интерьер под картину.

Первым делом нужно подумать о стенах, не каждой стене идет картина. Деревянные или имитирующие дерево стены не склонны к картинам, написанным маслом. То же самое относится к стенам, отделанным пестрыми обоями, здесь картину придется искать на стене. Правда, можно спасти ее широкой рамой, но лучше все же подготовить ей специальное место. Часть стены от пола до потолка задрапировать холстом или обнажить до шероховатой, серой штукатурки. Но все же идеальное местожите