Скачать

Культура России. Изобразительное искусство

Период: X-XX века

В истории русского изобразительного искусства четко различаются два периода, границу между которыми обозначили Петровские реформы. Различие это чрезвычайно глубоко и касается самих основ художественного восприятия мира и человека.

В Древней Руси живопись возникла и развивалась в тесной связи с иконопочитанием, в основе которого лежит учение о Боговоплощении (в христианской традиции первой иконой был чудесно явленный убрус - прижизненное изображение лика Христа). Через икону православие утверждает себя как зримо-явственную истину. Иначе говоря, икона есть богословие, выраженное не словесно, а образно, "умозрение в красках" (Е.Трубецкой). Отсюда вытекает присущий только ей своеобразный художественный стиль. Чисто эстетическое переживание не играет самостоятельной роли. Цель иконописания - отразить (и вызвать) молитвенную собранность, умиротворенность в общении с Богом, что объясняет развитие в иконах особых художественных средств - обратной перспективы, наличия в пространстве иконы нескольких точек зрения, иерархической соподчиненности изображаемых объектов и т.д.

Вместе с христианством русские мастера усвоили византийский художественный стиль и выработанную веками технику. В дальнейшем в русских княжествах складываются местные иконописные школы, со своими особенностями письма - новгородская, псковская, ярославская, тверская и т.д.

Наивысшего расцвета русская средневековая живопись достигла в XIV-XV вв. в деятельности Феофана Грека и Андрея Рублева.

Вершиной русского иконописания является "Троица" (1422-1427) А.Рублева, которую мастер создавал как символ духовного согласия и единения русских людей.

Для икон и фресок московских живописцев XV – XVI вв. характерны мягкость письма и гармония красок. Их художественные приемы получили развитие в иконах и фресках Дионисия, привлекающих изяществом пропорций, праздничностью колорита, уравновешенностью композиций.

С середины XVI в. иконопись подвергается влиянию западноевропейского изобразительного искусства. Развитая иконография икон придворной школы использует западноевропейские сюжетные схемы. Конец XVI – начало XVII веков ознаменовано развитием "строгановской школы" (которая, несмотря на название, также состояла в основном из придворных царски мастеров) отличающейся изысканностью цвета и внимательной проработкой деталей, тенденцией к некоторой декоративности и "красивости" живописи.

Во второй половине XVII в. появляются иконы "фряжского письма" - с использованием элементов западноевропейской живописи: масляных красок, подобия светотеневой моделировки, большего правдоподобия в изображении людей и природы. Наиболее известный представитель этого направления - Симон Ушаков (XVII в.). К этому времени относятся и первые попытки светского портрета - т.н. парсуны.

Пробуждение интереса к иконе, как к "великому, мировому искусству" (Е.Трубецкой), наблюдается с конца XIX в. - в связи с расчистками потемневших древних образцов и обнаружением их подлинного цветового строя. Художественные принципы иконописи творчески применяли как отдельные русские (В.Васнецов, М.Нестеров, К.Петров-Водкин) и зарубежные (А.Матисс) художники, так и целые направления и школы авангарда.

Древнерусская скульптура существовала в виде декоративной резьбы по камню и дереву и была в большинстве случаев полихромной (т.е., как западноевроепская скульптура, расписывалась темперой или масляными красками). Пластическому воплощению подлежали в основном образы святых, главное внимание уделялось лику, а формы тела укрывались под одеждами, из-за чего фигуры выглядят плоскими.

В XVIII - нач. XIX в. изобразительное искусство в России, следуя культурным запросам общества, проходит все главные этапы западного искусства: барокко, классицизм, романтизм. Ведущую роль играют приглашаемые в Россию иностранные живописцы и скульпторы, но уже при императрице Елизавете I появляются высокоодаренные отечественные мастера. С середины XVIII в. ведущим направлением в живописи становится академизм, для которого характерны строгость рисунка, следование в композиции определенным правилам, условность колорита, использование сюжетов из Библии, античной истории и мифологии. Однако наивысшим достижением этой эпохи можно считать не историческую живопись, а портрет (А.Аргунов, А.Антропов, Ф.Рокотов, Д.Левицкий, В.Боровиковский, О.Кипренский). Первым крупным русским мастером скульптурного портрета стал Ф.Шубин.

Расцвет академической школы приходится на пер.пол. XIX в. Для полотен К.Брюллова характерны сплав академического классицизма с романтизмом, новизна сюжетов, театральная эффектность пластики и освещения, сложность композиции, блестящая виртуозность кисти. Первым вступив на путь свободного, самобытного творчества, он пробудил в публике живой интерес к искусству и поднял общественное значение художника. А.Иванов придал своей живописи характер жертвенного служения идее и сумел преодолеть многие шаблоны, свойственные академической технике. В дальнейшем лучшие традиции академизма нашли развитие в грандиозных исторических полотнах Г.Семирадского.

В скульптуре традиции классицизма были поколеблены Н.Пименовым, чей "Парень, играющий в бабки" был оценен А.Пушкиным как рождение "народной скульптуры", и И.Мартосом - за счет придания их творениям черт современности.

Своим путем в это время шел П.Федотов - блестящий дилетант, тонкий наблюдатель и остроумный сатирик, предвосхитивший дальнейшее направление русской жанровой живописи.

Общественные устремления 1860-1870-х гг. пробуждают преимущественный интерес художников к темам из народной жизни. В 1872 г. в противовес Академии художеств создается Товарищество передвижных художественных выставок (И.Крамской, Г.Мясоедов, К.Савицкий, И.Прянишников, В.Маковский, И.Ярошенко, В.Перов и др.). В их творчестве бытовая живопись приобретает обличительный характер.

Обращение к национальным темам привело к небывалому расцвету исторической и батальной живописи. Подлинные шедевры в этих жанрах создали В.Суриков, И.Репин, Н.Ге, В.Васнецов, В.Верещагин, Ф.Рубо. Естественность композиции, верность исторической правде сочетается в их работах с мастерским использованием всего арсенала художественных средств в трактовке образов и событий. Историческая тема мощно звучит и в скульптуре (П.Антокольский).

В эти годы открываются первые национальные художественные галереи; произведения русских художников начинают регулярно появляться на международных выставках и в заграничных художественных салонах.

Достигнув творческой самостоятельности, русская живопись с конца XIX в. двигается в общем русле европейского изобразительного искусства. Пейзаж вытесняет бытовую живопись. Стремление к передаче воздуха и света, работа на пленэре, характерные для импрессионизма, наблюдается и в творчестве Ф.Васильева, И.Левитана, В.Поленова, В.Серова, К.Коровина, А.Архипова. Символизм, неоклассицизм, модерн оказывает заметное влияние на А.Врубеля, художников из "Мира искусства" (А.Бенуа, Л.Бакст, Е.Лансере) и "Голубой розы" (С.Судейкин, Н.Крымов, В.Борисов-Мусатов).

В 1910-е гг. зарождается русский авангард - как стремление перестроить основы искусства вплоть до отрицания самого искусства. Целый ряд художников и творческих объединений создают новые школы и направления, которые определяющим образом повлияли на развитие мирового изобразительного искусства - супрематизм (К.Малевич), "импровизационный" стиль и абстракционизм (В.Кандинский), лучизм (Ларионов) и др. Многие художники русского авангарда продолжали свою деятельность и в Советской России. В 1920-е гг. широкое распространение получил конструктивизм (В.Татлин), выдвинувший задачу конструирования материальной среды для создания логичных, функционально оправданных форм. Одновременно происходит изменение эстетических и социальных установок авангарда - теперь художники этого направления демонстрируют обращенность к жизни, стремление к ее переустройству средствами искусства (жизнестроительство).

Скульптура в эти годы перестает отождествляться с пластичностью и все чаще направляется на выявление скульптурности машинных форм. Стирается контраст между пластичностью и геометризмом, что открывает невиданные прежде возможности перед промышленным дизайном.

С 1930-х гг. растет идеологический нажим на художников авангарда. Все чаще слышатся обвинения в формализме и потакании эстетическим вкусам буржуазии. В 1937 г. программная статья в "Правде" причисляет всех художников этого направления к "пачкунам".

"Троица" (1422-1427) А.Рублева

Следование официальной художественной доктрине соцреализма нанесло большой ущерб творчеству многих художников. Однако в работах И.Грабаря, П.Корина, А.Дейнеки, М.Сарьяна, К.Юона, М.Грекова, А.Герасимова, А.Пластова удачно сочетается верность традициям реалистической живописи с достижениями модерна - в основном импрессионистов и Сезанна

С 1960-х гг. наступает возрождение русского авангарда. Мировое признание получает искусство О.Целкова, В.Немухина, И.Шелковского, О.Рабина, А.Зверева, М.Шемякина, Л.Сокова, Э.Неизвестного. Одни из этих художников продолжали или восстанавливали принципы уже существующих школ и направлений, другие создавали новые - концептуализм (И.Кабаков) и соцарт (Комар, Меламид).

"Разрешенная", но не официзная часть советского искусства в 1960-е гг. представлена работами мастеров "сурового стиля" (Т.Салахов, С. Попков). В 1970-1980-е гг. получило признание творчество советских художников - Р.Бичунаса, Р.Тордия, Д.Жилинского, Э.Штейнберга, М.Ромадина, М.Лейса, В.Калинина и др., убедительно доказавших, что в СССР существовала не только "пропаганда".

Крах коммунизма в СССР снял искусственные культурные барьеры между Россией и остальным миром. Ныне российское искусство является желанным гостем практически в любом уголке земного шара. Это вселяет оптимизм, ибо культурные обмены - безошибочный барометр, показывающий состояние атмосферы мирового искусства.